Making, Memory and Resistance

Textile Healing and Social Justice through the lens of decolonial Fashion Research, Art & Design

Eröffnung der Ausstellungsreihe im Rahmen des Erasmus+-Projekts „Textile Healing and Social Justice“, das von der University of Namibia, der University of Johannesburg und der Akademie der Bildenden Künste Wien entwickelt wurde, um durch die Linse dekolonialer Modeforschung und -designs Handlungs- und Reflexionsräume zu schaffen. Organisiert von Gestaltung im Kontext x MEZEKƎRƎ.

Die Säulen „Erinnerung“ und „Widerstand“ spiegeln sich in den Forschungsarbeiten von Loini Iizyenda und Maria Caley (Universität Namibia) wider; im „Martin Molefe Memory Project“ von Khaya Mchunu (Universität Johannesburg) und Kiara Gounder (Universität Durban); sowie in „Xinhlamune“ von Tinyiko Baloyi (Universität Johannesburg).

Das Martin-Molefe-Memory-Projekt greift Verne Harris’ Behauptung in Ghosts of Archive auf, dass „Südafrika voller Geister ist“, und nutzt archivierte Geister, um vergessene Geschichten der schwarzen Mode wiederzubeleben. Martin Molefe, ein in Soweto ansässiger Designer, der Mitte der 1950er- bis 1960er-Jahre tätig war und in Grace, Drum, Hi-Note, Zonk und The Lincoln Star veröffentlicht wurde, wird durch drei Provokationen in den Vordergrund gerückt: seine Rolle bei schwarzen Festumzügen und dokumentierten Modenschauen (Provocation #1), die Ausstattung von achtzehn Brautjungfern und zwei Trauzeuginnen für die königliche Hochzeit von König Moshoeshoe II. und Königin Mamohato im Jahr 1962 (Provocation #2) sowie seine Solo-Modenschau in der Mofolo Hall – der angeblich ersten Modenschau in Soweto (Provocation #3). Diese Veranstaltungen dienen als Anstöße, Mode in den soziopolitischen und kulturellen Kontext des Südafrikas der Apartheid-Ära einzuordnen und mit Molefe über die Kleidungskultur und Black Fashion History ins Gespräch zu kommen. Die Installation präsentiert Kleidungsstücke als spekulative Neuinterpretationen und personifiziert Archive als lebendige, aktive Objekte, deren Schwingungen wenig bekannte Geschichten erzählen, die einen Platz in der Gegenwart verdienen.

Maria Caleys und Loini Iizyendas Forschungsarbeit „Okakayiwa/Sikayiwa/Otjikaiva“ untersucht Kleidungsformen – insbesondere Kopfbedeckungen –, um nachzuzeichnen, wie Leiharbeit und Missionierung die Kleidung der Aawambo-, Kavango- und Ovaherero-Frauen in Namibia veränderten. Vorkoloniale Kopfbedeckungen signifizierten ethnische Zugehörigkeit, Geschlecht und Status; unter der Kolonialherrschaft wurden Frauen gezwungen, ihre Haare und traditionellen Kopfbedeckungen abzulegen und eurozentrische Kleidung sowie missionarische Normen anzunehmen, wodurch sie ihre kulturelle Identität und ihre Statusmarker verloren. Das gewaltsame, demütigende Abnehmen der Kopfbedeckungen war besonders traumatisch; den Frauen blieben nur schlichte Tücher oder unrasierte Köpfe. Als Form des Widerstands in der Postkolonialität tauchten neue Kopftücher wieder auf, um Identität und Status auszudrücken. Das Projekt nutzt kreative, künstlerische Forschung – Archivquellen, Interviews mit Wissensbewahrern und ein synthetisiertes kreatives Ergebnis –, um Okakayiwa, Sikayiwa und Otjikaiva als Symbole für Weiblichkeit und Selbstgestaltung zu untersuchen, einschließlich der Geschichte von Sarah Womulaule, um das Trauma der Missionierung aufzudecken, sowie einer interaktiven Ausstellungsstation, um das Publikum einzubeziehen.

Tinyiko Baloyi’s Arbeit „Xinhlamune“ lauscht der stillen Weisheit, die in den Tsonga-N’wana-Figuren steckt, und betrachtet sie nicht als Artefakte, sondern als Pluriversen – in sich geschlossene Welten, die von spezifischen Ontologien des Schaffens geprägt sind. Jede Figur verkörpert eine bestimmte Art des Seins in Beziehung zu Materie, Gemeinschaft und Umwelt. Form ist hier niemals neutral; Proportionen, Ausgewogenheit und Zurückhaltung sind Ausdruck gelebter Philosophie. Unsere Seinsweisen verankern sich in den Materialien um uns herum, und Objekte werden zu Kristallisationen relationalen Wissens. Geleitet von der Pluriversal Design Theory nutzt sie diese Figuren als Lehrerinnen und Lehrer statt als Referenzen. Durch ihre Arbeit mit Textilien und Bekleidung übersetzt sie deren eingebettete Logiken in zeitgenössische Formen und arbeitet dabei jenseits der vorherrschenden Schnitt- und Nähsysteme. Sie faltet statt zu schneiden, knotet statt zu nähen und konstruiert vorwiegend aus Rechtecken, wobei sie Geometrie, Reversibilität und Ökonomie in den Vordergrund stellt. Diese Gesten spiegeln die in den Figuren kodierte strukturelle Intelligenz wider. Die daraus entstehenden Kleidungsstücke sind keine Endpunkte, sondern Objekte der Auseinandersetzung, taktile Orte für zukünftiges Lernen. In ihren Falten verbergen sich spezielle Techniken, die zur Rekonstruktion, Anpassung und Weiterführung einladen. Sie zeigen, dass Technik eine materialisierte Denkweise ist und dass Innovation durch den Dialog mit überlieferten Welten entstehen kann. Auf diese Weise bestätigt das Projekt kulturelle Artefakte als lebendige Schatzkammern der Designweisheit, die sowohl die gegenwärtige Praxis als auch zukünftige Möglichkeiten prägen können.

Timetable
18 h Welcome
with Angelina Kratschanova, International Office AKBILD & Anna Hambira, Fashions and Styles, AKBILD

Walk About
The Martin Molefe Memory Project with Kiara Gounder & Khaya Mchunu, South Africa (10min)
Xinhlamune with Tinyiko Baloyi, South Africa (10min)
Okakayiwa/Sikayiwa/ Otjikaiva with Maria Caley & Loini Iizyenda, Namibia (10min)

19 h Round Table
a shared reflection on joyful resistance & activism, contemporary decolonial archive practices, indigenous (body-) knowledge & textile healing with AKBILD GUESTS and MEZEKƎRƎ guided by Anna Menecia Antenete Hambira

19:30 - 22 h Celebration